База знаний студента. Реферат, курсовая, контрольная, диплом на заказ

курсовые,контрольные,дипломы,рефераты

Искусство древних цивилизаций Востока. Общие черты и особенности — Искусство

Московский Экстерный Гуманитарный Университет

Академия Культуры и Искусств

Факультет Культуры и Искусств

Искусство древних цивилизаций Востока. Общие черты и особенности.

Авторизованный реферат по общему искусствоведению

Студентки 1 курса

Моисеевой Ольги Борисовны

КС01- 5

Москва 2001

Происхождение искусства Аристотель выводит из естественной и специфической для человека склонности к воспроизведению. «Воспроизведение присуще людям с детства, и они тем отличаются от других животных, что наиболее способны к подражанию».* По мнению Аристотеля из этой склонности возникла сначала импровизация, а затем искусство, впоследствии разделившееся на виды. Аристотель определял искусство как «мимезис», т.е. «воспроизведение». Аристотель утверждал, что благодаря воспроизведению люди «приобретают первые познания». Таким образом, согласно Аристотелю искусство изначально связано с познанием. Сам же термин «искусство» имеет у него предельно широкий смысл – это всякая практическая деятельность человека.

Слово «искусство» («техне») употреблялось в античной философии для обозначения всякой практической деятельности, всякого уменья, соединяющего опыт и знания, а не только художественного творчества.[1] Первая классификация практической деятельности наблюдается в мифологии. Аполлон и девять муз оказались покровителями поэзии, музыки, танца, истории, астрономии, комедии, трагедии, мимики, лирики – так называемых мусических искусств. Гефест и Афина Паллада являлись покровителями прикладных искусств, таких как архитертура, художественные ремесла, женское рукоделие и другие. В дальнейшем объединение искусств и отделение их от ремесел станет более четким. Исторически складовавшееся расхождение между «мусическими» и «техническими» искусствами было не абсолютным, а относительным. В этике Платона представлен принцип деления искусства на родовое и жанровое. Они зависят, думал философ, с одной стороны, от особенности предмета подражания, а с другой стороны, от применения того или иного способа изображения. Аристотель же сформулировал основные принципы всякого морфологического анализа искусства. Согласно его принципам подражательные искусства различаются друг от друга в трех отношениях: средстве, предмете, способе подражания. В результате оказалось, что многообразие средств, коими оперируют искусства, определяет различия видов – музыки, поэзии, танца, и т. д. Особенности предмета подражания порождают различия, которые мы сегодня называем жанровыми – трагедия, комедия, и т. п. Различие в способе подражания приводят в поэзии к тому

делению, которое стало называться родовым – эпические, лирические, драматические рода.[2]

Теория художественного творчества.

Художественное творчество как деятельность.

Творчество в широком смысле слова – это всеобщая способность человеческого мышления и деятельности.

Творческий процесс, в ходе которого возникают произведения искусства, питается как бесконечно многообразной информацией, получаемой художником от действительности, так и оценкой этой информации, отбором жизненных впечатлений, который осуществляется художником. Художественно-образное мышление дает возможность творцу воплощать результаты переработки жизненных впечатлений в материале и по законам определенных видов искусства.

Искусствовед П.Медведев в свой работе «В лаборатории писателя» выделяет следующие фазы художественно-творческого процесса: 1.Замысел – этап, когда возникает идея произведения, сюжетные наброски образов, эмоциональная тональность. 2.Разработка замысла. Возникновение планов, разборка и подготовка материала. 3.Период окончательного оформления произведения, правка, отделка.[3] Художественно-творческий процесс в реальной жизни не происходит строго в такой последовательности: живые наблюдения – замысел произведения – план – его воплощение в образах и материале. Возможны и перестановки отдельных звеньев, и перерывы, скачки, и синхронность ряда фаз. Художник может и не составлять заранее плана, может привлекать жизненный материал уже в процессе работы, начать писать с заключительных разделов и т. п., - но все отмеченные элементы творческого процесса непременно присутствуют в его работе.[4]

Общее и частное искусствоведение

Искусствоведение как наука

Искусствоведение, в широком смысле комплекс общественных наук, изучающих искусство — художественную культуру общества в целом и отд. виды искусства, их специфику и отношение к действительности, их возникновение и закономерности развития, роль в истории общественного сознания, взаимосвязи с социальной жизнью и с другими явлениями культуры, весь комплекс вопросов содержания и формы художественных произведений.

В пределах пластических искусств искусствоведение решает в принципе те же общие задачи, что и все искусствоведческие науки, и также складывается из трёх основных частей: теории искусств, их истории и художественной критики, которые, тесно взаимодействуя друг с другом, имеют и свои особые задачи. Теория искусств развивает применительно к пластическим искусствам и каждому отдельному их виду социально-философские взгляды общества и общие воззрения на искусство, формулируемые эстетикой; она изучает широкий круг вопросов идейного содержания, художественного метода, художественной формы, средств выражения, специфики его видов и жанров и т. д. в их взаимосвязи; она рассматривает общие закономерности, объективную логику развития искусства, его взаимоотношения с обществом, его воздействие на коллектив и личность. История искусств изучает и исследует развитие искусства в целом («всеобщая история искусств»), в какой-либо стране или в отдельную эпоху, анализирует эволюцию какого-либо вида или жанра, течения, направления, стиля творчества отдельного художника. Художественная критика обсуждает, анализирует и оценивает явления современной художественной жизни, направления, виды и жанры современного искусства, творчество его мастеров и отдельные художественные произведения, соотносит явления искусства с жизнью и с общественными идеалами времени и класса.

Искусствоведение и другие науки.

Социология искусства.

Социология искусства, смежная область социологии и искусствознания предмет которой — социальные функции и зависимости искусства. В широком смысле С. и. — исследование определённых взаимозависимостей между состоянием общества в целом (или социальных институтов) и искусством как специфической сферой общественно значимой деятельности. В узком смысле С. и. — отрасль социологии, изучающая с помощью совокупности методов конкретно-социологического исследования воздействие искусства на аудиторию, социальные механизмы и средства распространения произведений искусства, художественный вкус публики, его дифференциацию, его воздействие на художественную продукцию. В строгом смысле современная С. и. возможна как научная отрасль при сочетании обоих подходов.[5]

Искусство рождается и развивается в социальном пространстве. Оно зависит от социально-экономического базиса и возникающих на его основе общественных отношений. Отсюда можно сделать вывод, что предметом социологии искусства является характер, специфика и конкретные формы проявления такой зависимости. Ф.Шмит, исследователь формально-социологического направления 20-х годов, писал: «Искусствовед-историк устанавливает закономерности развития искусства. Закономерности этих двух разных порядков: одна могла бы быть выражена в виде некоторой нормальной линии, по которой фактически идет искусство, непрерывно уклоняясь от нормы под влиянием внешних воздействий. Социолог исследует природу этих уклонений. Но для этого ему нужна нормальная линия, ибо без нее ему не с чем сравнивать и не по чему проверять фактическое продвижение искусства. Существенно, однако, именно и только уклонения, т. к. вся жизнь всякого искусства протекает не в безвоздушном пространстве, а именно в конкретной земной обстановке, и всякие практические мероприятия политического или педагогического характера всегда должны это обстоятельство учитывать».[6]

Ранние и примитивные формы искусства

Происхождение искусства.

Производство рождается из материальных потребностей. Первобытный человек должен был изготовлять различные орудия, оружие, находить себе убежище от непогоды. Он сделался искусным по необходимости. Но произведение искусства отличаются от необходимых предметов, которыми человек удовлетворял свои потребности. Искусство на всякой ступени своего развития выражалось в двух формах – игра и роскошь. Существуют несколько теорий происхождения искусства. Одна из теорий – это происхождение искусства из труда. Как известно камень служил первобытному человеку материалом для изготовления оружия и орудий труда. Первоначально каменные топоры не имели рукояток. Затем как показывают доисторические археологи, рукоятка крепилась при помощи связок. В последствии связки стали не нужны и их перестали употреблять, но на их месте появилось их изображение, состоявшее из взаимно пересеченных параллельных линий и служившие для украшений. Так возникли геометрические украшения, которые можно наблюдать на орудиях четверичной эпохи.[7] Существуют также теологическая и внеземная концепция происхождения искусства.

В первом периоде четверичной эпохи первобытный человек изготовлял кремневые топоры. Многие из этих топоров треугольной и овальной формы, обсечены с большой ловкостью мелкими кусочками, имеют довольно правильные очертания, показывают склонность первобытного человека к симметрии. Гораздо больше известно относительно второго периода четверичной эпохи. Найдены кинжалы, гарпуны, буравы из оленьего рога, покрытые резьбой и рисунками. С развитием этноса развивается и искусство. Человек заметил красящие свойства некоторых земных пород, особенно охры. Он покрывал стены пещеры изображениями животных. Также археологи находят в разных налегающих друг на друга пластах почвы остатки различных этапов развития. Круглые скульптурные изображения, вырезанные из камня или костей мамонта, оказывались глубже залегающими, следовательно, более древними, чем фигуры выполненные барельефом и рисунки. Отличительной чертой древнего искусства является реализм и простота. Оригинальной особенностью стенной живописи было искусство изображать животных полных жизни, в движении.[8] Если изображения животных того периода были реалистичны, то изображение человека напротив символично, а иногда представляли фигуры зооантропоморфных существ, либо людей в звериных масках (пещеры Марсула, Альтамира, Лурд и др.).

Искусство Древнего мира

Искусство Древней Греции

Развитие Греческого искусства включает в себя период древних цивилизаций. Археологи различают три периода глубокой догомеровской древности: 1.Эгейский – период маленьких мраморных идолов (III - II тыс. до н.э.). 2.Минойский или Критский (2000 – 1500г. до н.э.) Искусство этого периода отличалось стремлением к реализму и изяществу. Критские дворцы не были укреплены. Главным украшением дворцовых покоев была живопись.[9] Фрески Кносского дворца – «Парижанка», «Акробаты с быком», «Дамы в голубом» носят светский характер. Мотивы морских глубин часты в живописи и керамике (ваза с осьминогом). 3. Микенский (1500 – 1100 г. до н.э.). В этом периоде господствует упадочное отношение к предыдущей эпохе. Микенское искусство кажется более грубым, чем Критское. Росписи в Тиринифе более схематичны, чем в Кноссе. Дворцы были окружены стенами, сделанными из громадных кусков камней. Микенский период отличался оригинальной цветной керамикой, украшенной изображениями растений и животных.[10]

Период XI – IX вв. до н.э. греческой истории получил название гомеровского. Сохранилось мало памятников этого периода. Основным строительным материалом было дерево и необожженный кирпич. Монументальная скульптура тоже была деревянной. Наиболее ярко искусство этого периода проявилось в керамических вазах, расписанных геометрическим орнаментом, а также в терракотовых и бронзовых статуэтках.

Архаический период (VIII – 480г. до н.э.). Искусство этого времени характеризуется поисками формы, выражающий эстетический идеал прекрасного телом и духом гражданина полиса. Появляются два основных типа одиночной скульптуры – обнаженного юноши (курос) и задрапированной женщины (кора) с характерной архаичной улыбкой. Появляются многофигурные композиции и рельефы. Образ человека условен, статичен, торжественен. Керамика этого периода поражает разнообразием форм. Была придумана чернофигурная техника росписи. Позже сложилась краснофигурная техника росписи, которая отличалась более тщательной проработкой деталей.

Классический период (480 – 323г. до н.э.). Главной задачей искусства было правдивое изображение человека. Скульптура выполнялась в основном из мрамора и бронзы, характеризовалась монументальностью, стремлением к гармонии и пропорциональности. Великие скульпторы V в. – Фидий (Афина-воительница, Афина-Парфенос), Мирон (Дискобол), Поликлет (Гера, Дорифор, Копьеносец, Раненная Амазонка). Наиболее прославленные скульпторы IV в. – Пракситель, Скопас, Лисипп. Вид греческого храма представлял собой прямоугольный дом с дверями, но без окон, окруженной со всех сторон одним или несколькими рядами колонн, которые поддерживали крышу. На более узких сторонах храма двухскатная крыша образует треугольники, которые называют фронтонами. Они бывают обычно украшены статуями. Стена дома сверху украшена барельефами, которые образуют фриз. Когда храм построен в дорическом стиле, то верхняя часть архитрава, лежащего на колоннах, состоит из плит с тремя вертикальными желобками, называемых триглифами, которые чередуются с квадратными плитами, обычно украшенными рельефами – это метопы. Греческая архитектура знала три ордера, т.е. три главных типа колонн – дорический, ионический и коринфский. В дорическом ордере колонна не высока, увенчана очень простой капителью. В ионическом ордере колонна тоньше и заканчивается капителью типа завитков-валютов. Коринфская капитель украшена листвой и завитками.

В литературе V в. основными жанрами стали трагедия и комедия. Творцом классической драмы был Эсхил. Основной мотив его творчества прославление гражданских добродетелей, патриотизма, а также идея возмездия и фактор судьбы («Прометей прикованный», «Орестея» и др.). В творчестве Софокла показана борьба свободной человеческой воли против слепого рока, подчеркнуто бессилие человека и неизбежность уготованной ему судьбы («Аякс», «Электра» и др.). Творцом психологической драмы считается Еврипид. Основной конфликт в его творчестве – борьба рассудка и страстей, которые также неотвратно, как и судьба приводят человека к гибели («Медея», «Федра» и др.). Великолепным комедиографом был Аристофан, придававшей комедии политическую остроту и злободневность («Мир», «Всадники», «Лисистрата» и др.). Древнегреческие трагедии и комедии ставились на общегосударственных праздниках в порядке состязания между авторами.

Период эллинизма (323 – 27г. до н.э.). В городах увеличивается количество городских сооружений: строятся булевтерии (здания городских советов), гимназии, стадионы, библиотеки, бани и т.д. В этот период продолжают развиваться тенденции, наметившиеся в греческой скульптуре IV в. до н.э. Характерные черты скульптуры этого времени – динамичность и выразительность. В этот период были созданы скульптуры «Афродита Мелосская», «Лаокоон» и др.[11]

Искусство эпохи средневековья и Возрождения

Готическое искусство

С течением веков население начинает расти, начинается сжатие, появляются безземельные бедняки, готовые работать за кусок хлеба и рабство становится ненужным. Средневековые города растут, становятся выше, теснее. За пределами города появляются ремесленные предместья. Ремесленники конкурируют между собой и чтобы не допустить в свою среду новичков, организуют цехи. Члены цеха, уважаемые мастера, договариваются между собой о ценах, количестве и качестве товара, а также числе подмастерьев-учеников. Каждый цех имеет своего покровителя, церковь, казну и знамя.Готическое искусство – это искусство феодального города, и развитие готических башен в высоту может быть объяснено, не только стремлением души к небу, но теснотой средневекового города.

В готическом соборе нервюры являются несущим каркасом, а распалубки – простым легким заполнением. Нервюрные своды, вследствие их меньшего веса, позволили уменьшить толщину поддерживающих опор. Основная сила распора нервюрных сводов была вынесена за пределы пространства церковной залы, при помощи добавочных подпорных арок (аркбутанов) переносились на громадные устои – контрфорсы, выложенные специально для этой цели с внешней стороны боковых стен храма. Доминирующими сделаны не горизонтальные членения, а пересекающие их вертикальные опоры. Таким образом, стена разбилась на цепь вертикальных пролетов между проходящими снизу до верху опорами. Сами пролеты состоят обычно из трех частей: нижней арки, промежуточного арочного этажа и огромного верхнего стрельчатого окна.[12]

Готические храмы украшались главным образом скульпторами, живописцами, резчиками светскими, объединенными в корпорации (цехи).

Готическое искусство является возрождением реализма и напоминает греческое искусство и даже воспроизводит стереотипную улыбку. Готическая скульптура занималась не только украшением соборов, но и надгробными изображениями. Также шедеврами готического искусства являются статуэтки и барельефы из дерева и слоновой кости, часто раскрашенные и позолоченные.[13]

Витражи различаются по своему изготовлению, живописные композиции из цветных стекол предшествуют живописи по стеклу. Наряду с живописью по стеклу существовала живопись в рукописях.

Искусство Нового времени

Голландская живопись XVII века.

Голландия XVII века представляла собой благоприятную среду для развития живописи. Храмы не украшались, т. к. протестантство осуждало это. Частные дома высокие, узкие и темные допускали только картины небольших размеров. В Ратушах и различных корпорациях требовались групповые портреты. Голландское искусство реально и лишено всякой идейности – это искусство ради искусства. Вследствие этого необычайно развилась живописная техника, которая умела передавать оттенки голландского освещения. Другим следствием было равнодушие к смыслу передаваемого сюжета. Весь смысл живописи заключался в способе выполнения и удовольствии, доставляемом этой живописью.

Рембрандт родился в 1606г., учился у малоизвестного художника, впоследствии открывает свою художественную мастерскую. Рембрандт стремится к «наибольшей и качественной подвижности». Раскрытие внутренней сущности составляет основу его творчества. От несколько холодной уверенной техники Рембрандт постепенно перешел к поразительной смелости. Характер он предпочитает красоте и старается передать внутренний смысл не в линиях, а при помощи света. «Освещенный воздух, даже освещенная тень – вот что является триумфом Рембрандта».[14]

В XVII веке закладываются основы нового понимания бытового жанра. Бытовая картина обретает черты самостоятельности. Главный стержень заключается в проблеме места человека в сословном обществе, социальной окраске образа, в интересе к частному человеку, к человеку простому, обыденному и к окружающей его материальной и эмоциональной среде.[15]

Англия, которую оттолкнуло от искусства пуританство, долгое время знала только чужеземных художников – Гольбейна, Рубенса, ван-Дейка. В первой половине XVIII века в Англии появляется художник-моралист едкий сатирик – Хогарт. Его картины дают нам поучительные рассказы и передают их детально – это поучительное и проповедническое направление останется навсегда характерной чертой английского искусства. В середине XVIII под влиянием голландского, фламандского, итальянского и французского искусства появляется поколение замечательных портретистов: Рейнольдс, Гэнсборо, Ромни и др. В ту же эпоху Кром, Гэнсборо воскресили традиции пейзажей Рейсдаля и положили основание современному пейзажу.

Искусство Нового времени (XIX – начало XXв.)

Театральная драматургия XIX век.

В России складывается национальный театр. Появились пьесы на русском языке на народную и историческую тематику. Грибоедов, Пушкин, Гоголь, Островский, Толстой – расцвет русской драматургии. В конце века появились пьесы на тему что такое человек (Горький, Островский). Поиски в сфере Театрального искусства были начаты Станиславским. Он определил, что задачи театрального искусства в раскрытии человеческой личности и «воплощении жизни человеческого духа». Эстетика театра, по мнению Станиславского сравнительно религии. Реалистическое направление театрального искусства глубоко было представлено Московским Художественным общедоступным Театром. От условности театр шагнул к реализму. В конце XIX века выделилась профессия режиссера. Ленский, Станиславский, Мейерхольд – люди, которые соединяли свет, декорации, костюмы и игру актера. От прямого организатора режиссер становится создателем единого целого, педагогом, который помогает актеру выращивать роль. Режиссер становится главным интерпретатором драматургического произведения. Появление и оформление профессии режиссер привело к отказу от идеи, что пьесу можно поставить единственно верным образом. Появилась первая актерская школа Станиславского, актерское ремесло оформилось как профессия. В связи с этим стало возможным утверждать, что актер в театре главный. Воплощение жизни осуществляется актером, хотя режиссер может помогать или мешать, но отказаться от него не может, поэтому актер в театре главный. Вслед за реализмом МХТ появился натурализм, но большого признания не получил. Затем появляется символизм – как поиск обобщающего знака, символа. Мейерхольд и Таиров представляли символический театр. Блок писал символические пьесы: «Незнакомка», «Снежная маска», «Балаганчик» и др. Это была попытка воплотить конкретно нечто абстрактное.[16]

Архитектура и дизайн

Архитектура функционализма 1920 – 1960-х годов

Архитектура функционализма 1920 – 1960 годов. Функционализм – направление в зодчестве 20-х годов, утверждающее примат утилитарно практической функции производства архитектуры над его формой. Форма архитектуры определяется функциями. Принципы функционализма разрабатывались во Франции Ле Корбюзье и в Германии архитекторами «Баухауза» Гропиусом, Мейером и др. На структуру построек переносился принцип построения механизма, здания расчленялись в точном соответствии с последовательностью функциональных процессов, для которых они предназначались. Территория зонировалась с выделением особого пространства для каждой из главных жизненных функций. Райт Франк Ллойд – американский архитектор, основатель и ведущий мастер школы органической архитектуры. Для него характерно органическое включение архитектурных форм в ландшафт. Райт был одним из основоположников рационализма в современной архитектуре.

Ле Корбюзье Шарль Эдуар – французский архитектор, живописец, дизайнер. Он видел в современной технике и серийности строительства предпосылки для обновления архитектурного языка, а в выявлении функций структуры сооружения – богатые эстетические возможности. Ле Корбюзье сформулировал «5 отправных точек современной архитектуры». Для него характерны простые геометрические формы, спокойные плоскости фасадов, большие стеклянные поверхности.

Гропиус Вальтер – немецкий архитектор, один из основоположников архитектуры функционализма. Он стремился к выявлению конструкции и функционального назначения построек в их внешнем облике, что обусловило новизну архитектурных форм его производства.

Конструктивизм – направление в искусстве 1920-х годов. Архитектура конструктивизма осваивала формообразующие возможности новой техники, логичные и целесообразные конструкции, эстетические возможности таких материалов, как дерево, стекло, металл. Для конструктивизма характерна простота и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм. Метод проектирования основан на научном анализе особенностей функционирования зданий.

Рационализм – совокупность архитектурных направлений первой половины XX века, программно осваивавших достижения современной науки и техники.

Органическая архитектура – направление в архитектуре XX века, провозгласившее своей задачей создание таких производственных форм, форма которых вытекала бы из их назначения и конкретных условий среды, подобно форме естественных организмов.

Брутализм – направление современной архитектуры, зародившееся в 1950-х годах в Великобритании. В своих производственных представлениях брутализм стремиться к обнажению конструктивной схемы построек, максимальному выявлению архитектоники и грубых архитектурных масс. Для него характерен отказ от каких-либо декоративных приемов, связывающих естественную фактуру конструктивных материалов: стали, железобетона, кирпича, стекла и др.[17]

Пластические виды искусства XX в.

Неореализм в послевоенные годы

Неореализм сложился в 40 – 50-х годах XX века. Основными предпосылками его возникновения были всенародный демократический подъем, распространение социалистических идей, возрождение демократических тенденций итальянского искусства. Неореалисты стремились правдивому отражению действительности во всей остроте ее противоречий, утверждение в искусстве новых духовных идеалов. Поздний период Пикассо характеризуется особенным проявлением гуманистических воззрений. Они проявляются в таких его работах, как «голубь мира», панно «мир» и «война». Пикассо не редко возвращается к античным традициям, часто в гротескной форме интерпретирует картины старых мастеров. Его творчество метафорично.

Для творчества Шагала присуще ирреальные пространственные построения, яркая эмоциональность цветового строя, выразительный мягко живописный рисунок. Матисс в позднем периоде стремиться противопоставить бурную напряженность современной жизни и вечные ценности бытия, он воссоздавал в своем искусстве его праздничную сторону. Эмоциональное воздействие его живописи достигается прежде всего изысканной нарядностью цветовой гаммы, эффект внутреннего движения форм в композиции.

В XX веке развитие скульптуры принимает противоречивый характер. Экспериментализм модернистских живописных течений проник и в скульптуру. Особенно сильно влияние кубизма, приведшее к включение в произведение скульптуры самых различных материалов. Мастер монументально-декоративной скульптуры Генри Мур, создает как живописно-конкретные, так и более абстрактные, деформированные, фантастически-причудливые образы. Представителями конструктивизма были Н. Габо, А. Певзнер, сюрреализма – Х. Арп, абстрактного искусства – А. Колдер и др. За ними художники поп-арта ввели принцип превращения обыденного предмета в произведение искусства. Оп-арт в своих живописных произведениях оперирует комбинациями многократно повторяющихся простых геометрических фигур, добиваясь иллюзорного эффекта их перемещения на плоскости и в пространстве. Декоративные возможности оп-арта нашли некоторое применение в промышленной графике, плакате и оформительском искусстве.

Хэпенинг – вид творчества, где «художественные процессы» рассчитаны на участие не только художника и его помощников, но и зрителя. Хэпенинг сочетает в себе элементы театра, музыки, живописи, является своеобразным микро спектаклем, трактованным в стиле поп-арта реквизитом или абстрагированным пространственно-ритмическими «живыми композициями».

Зрелищные искусства и музыка XX в.

Театр

Режиссер создает единое, гармонически целое художественное произведение с помощью творческой организации всех элементов спектакля. Режиссер занимает ведущее место в постановке спектакля. Постановка осуществляется на основе замысла режиссера, ставящего пьесу и руководящего работой всех участников создания – актеров, художников, композитора и др. Режиссерский замысел включает: интерпретацию пьесы, характеристику отдельных персонажей, определение стилистических и жанровых особенностей актерского исполнения, решение спектакля во времени и пространстве, определение характера и принципов оформления.

Символический театр стремился сблизить поэзию с музыкой, придать таинственное иносказание театральному действию, усилить роль подтекста в драматургии, утверждал принципиальный разрыв с действительностью. Реалистическому театру символисты противопоставляли односторонне заостренный, поэтически преобразованный образ-символ. Английский режиссер Крэг пришел к отрицанию реалистичности, он проповедовал бегство от действительности в мир чистого искусства. Путь к этому он видел в условном символичном решении спектакля. Крэг отрицал значение драматурга и актера, провозглашал единовластие режиссера. Он рассматривал драматургический текст как средство той или иной концепции режиссера.

Рейнхардт стремился реформировать немецкий театр, обращаясь к реалистической драматургии. Основное внимание Рейнхардт уделял мастерству актера и культуре сценической речи, утверждал, что «актеру – поэту, творцу, принадлежит главное место в театре».

Режиссерская система Станиславского отличается от большинства ранее существовавших систем тем, что строится не на изучении конечных результатов творчества, а на выяснении причин, порождающих тот или иной результат. В ней впервые решается проблема сознательного овладения подсознательными творческими процессами. Для режиссерского стиля Мейерхольда было характерно активное использование средств гротескного заострения, гиперболизация, яркость сценических метафор, резкая сатиричность, стремление придать сценическому образу обобщенность поэтического символа.

Вилар оказал большое влияние на сценическое искусство Франции и др. стран. Он считал, что народный театр должен быть театром классического репертуара, обращенным к демократичному зрителю. Для режиссуры Вилара характерно соединение ярких и условных форм старинного площадного театра с достижениями новейшей театральной культуры, высокий интеллектуализм.

Де Филиппо – итальянский драматург, актер, режиссер. Вся театральная деятельность Де Филиппо неразрывно связана с диалектальным театром Неаполя. Он писал комедии, близкие неореалистическому искусству, сочетающие приемы диалектального театра с опытом современной драматургии: “Неаполь-миллионер”, ”Эти призраки” и др.

В 50-60-е гг. наряду с крупнейшими мастерами сов. Театра - Ю. Завадский, Н. Охлопков, М. Кедров, Р. Симонов и др., завоевали признание режиссеры нового поколения- В. Плучек, Б. Равенских, Б.Львов-Анохин. В этот период возникли новые театральные коллективы- «Современник» (реж. О. Ефремов),Театр драмы и комедии на Таганке (реж. Ю. Любимов) и многие другие.[18] Театр на Таганке внес публицистические тенденции в театральное искусство (пьеса «Добрый человек из Сезуана»).

Искусство Древних цивилизаций Востока. Общие черты и особенности.

Введение

Древние цивилизации Востока возникли, примерно начиная с 4-го тысячелетия до н.э., как острова посреди обширных пространств, занятых кочующими племенами. В долинах больших рек образовались первые государства рабовладельческого строя. Экономика этих государств была проста, основана на общинном землепользовании.

Рабство сделало возможным грандиозное строительство, но оно базировалось на примитивной производственной основе.

Искусство Древних цивилизаций тяготело к грандиозным масштабам, к монументальным геометрическим формам. Человек начинает осознавать себя венцом природы. Художественное мышление создает образы сверхчеловеческие, уподобленные небесным светилам, горам, животным. Идеал Исполина – символ самоутверждения и победы человека над природой. В древних мифах также проходит тема героя, раскрывающего людям тайны богов и побеждающих чудовищ: в Вавилонских сказаниях – Гильгамеш, в Египетских – Осирис, в Китайских – Юй.

Переход к цивилизации принес порабощение. Монарх, жрецы и малочисленная знать составляли верхушку общества, которая пользовалась неограниченными правами. Монархи объявляли себя потомками богов. Властелин окружался ореолом божественности и стоял высоко над миром.

Важную роль в искусстве всех стран Древнего Востока играла архитектура. Развивалось градостроительство. Города обносили высокой крепостной стеной. Было развито искусство керамики, росписи, скульптуры и декоративно-прикладного искусства. Во всех странах со временем сложились определенные каноны изобразительного искусства и архитектуры.

Искусство, прежде всего, служило выражением миропонимания древних народов, их культа и мифологических представлений. Таковы общие черты искусства народов Древнего Востока.

Искусство Древнего Египта

Древнеегипетское искусство главным образом было призвано обслуживать потребности религии, в том числе заупокойного культа и государственного культа обожествления фараона. В течение времени претерпело определенные изменения. Были выработаны многие классические архитектурные формы и типы, виды изобразительного искусства, сложились локальные художественные школы.

В исследовании Египетского искусства нужно отталкиваться от установленной египтологической наукой исторической периодизации. Периодизация такова:

Период распада родового строя и образования государства. Это так называемая архаическая и период двух первых тенисских династий (до второй половины 4-го тыс. до н.э.). Первые гробницы этого периода представляли собой просто ямы округлой формы, в качестве строительного материала применялось дерево. В дальнейшем план гробницы усложняется. Вокруг центральной большой камеры появляется ряд геометрически расположенных малых камер, Стены выкладывают из кирпича и известняка. Над гробницей появляется курган, и постройка обносится стеной. О живописи дают понятия росписи на сосудах. Рисунки схематичны, композиция человеческого тела конусообразна, наблюдается обобщение формы и ее геометризация. Один из известных памятников этого периода плита Нармера. Симметрия, лаконизм выражения, типизация композиции, ясность конструкции составляют основу египетского искусства. Развитие круглой скульптуры тоже подчинено общим канонам и идеализированному образу.

Период Древнего Царства (4-е – 3-е тыс. до н.э.). Основы монументальности, заложенные в архаический период, развиваются в полной мере в эпоху Древнего царства. Архитектура становится ведущим видом искусства. Это связано с культом фараона. Усыпальницы царей строятся в виде пирамид. Основные памятники архитектуры этого периода: пирамиды Джосера, Хеопса, Хефрена, Микерина. Перед пирамидой Хефрена находится самый большой сфинкс, высеченный из цельной скалы. Группа пирамид в Гизе входят в состав архитектурного комплекса. Большие пирамиды окружены малыми и большим числом мастаб – это некрополь родственников фараона и знати. К пирамидам примыкали заупокойные храмы. Стены сооружений украшались росписями и рельефами. В этот период уже встречается углубленный рельеф, особенно распространенный позже. В круглой скульптуре устанавливаются строгие каноны определенных типов композиции, которые удерживаются затем на всем протяжении развития египетской пластики. Пластика этого периода становится более реалистична. Но художник не был свободен в выборе цвета: раз и навсегда устанавливается цвет для определенного объекта. Например, в рельефе и круглой скульптуре мужское тело окрашивалось в кирпично-красный цвет, а женское – в коричнево-желтый. Камень и дерево, главные материалы, из которых делаются все статуэтки.

Период Среднего царства. Это эпоха децентрализации и распада Египта на множество территориальных общин (конец 3-го – начало 2-го тыс. до н.э.). Искусство под влиянием художественных школ, возникших при дворах провинциальных правителей, становится более реалистично и декоративно. Наиболее оригинальна архитектура пещерных гробниц расположенных в Среднем Египте. Эти гробницы имеют наружный портик обычно с двумя протодорическими колоннами с абакой и массивным, покоящимся на них архитравом. Зарождение протодорической колонны относится к этому периоду, обычно она бывает 16-гранной, но в последующие периоды встречается с 18 и 24 гранями.[19] Наиболее выдающийся храм этого периода – поминальный храм Ментухотепов III и IV. Стенные росписи этого периода индивидуально-реалистичны. Художники фресок прославились изображением животных и птиц. В Среднем царстве развивается искусство скульптурного портрета. Появляется индивидуальность данного лица и своеобразное выражение. В мелкой пластике и рельефе существенных отличий от предшествовавшего периода нет.

Период Нового царства – это период колониальной экспансии, осуществляемой египетскими фараонами в странах Передней Азии и Нубии (с середины 2-го тыс. до 1-го тыс. до н.э.). Возвеличивается культ фиванского бога Амона, и подчеркиваются его воинственные функции. Новый подъем в идеализации особы царя, а в искусстве монументализации его образа. Храмы посвященные богам, в то же время служат памятниками восхваления фараона. Возникает рост храмового зодчества. Однако монументальность выражена по новому по сравнению с Древнем царством. Преобладающим видом архитектуры в Новом царстве является храм посвященный богам, а не гробница как раньше. Пирамида как вид царской гробницы исчезает в эту эпоху. Самое оригинальное в архитектуре храмов этого периода – гипостильные залы с целым лесом колонн разных ордеров. Дворцы этого периода просты, лаконичны и геометричны. Стенные росписи более декоративны и изящны. В рельефе и живописи меняется отношение к плоскости. Человеческое тело используется во всевозможных ракурсах, монотонные ритмические повторения сведены до минимума. В Древнем царстве многофигурная композиция лишь сумма единичных фигур, в Новом царстве – единое целое. Круглая скульптура, что и рельеф, становится более реалистична, объемна, трехмерна, линии более округлы. Искусство Древнего Египта было подчинено религии. Художники обеспечивали умершему владыке посмертное благополучие. Искусству отводилась важная роль: оно должно было дарить бессмертие и быть прямым продолжением жизни.

Искусство передней Азии

Таким же древним и мощным очагом древней культуры, как и Египет, была Передняя Азия. Передняя Азия именуется колыбелью человеческой цивилизации не случайно. Многое из того, чем мы сейчас пользуемся, в повседневной жизни, зародилось именно там: десятеричная система счета, деление часового циферблата на двенадцать частей и др. Вавилонские жрецы умели вычислять с большой точностью движения планет, время обращения Луны вокруг Земли. Шумерские и вавилонские зодчие возводили высочайшие башни, строили не только плоские перекрытия, но и арочные конструкции, впоследствии перенятые древними римлянами. В Переднюю Азию входили многие области: Месопотамия, Ассирия, Финикия, Палестина, Урарту и Иранское государство.

В Передней Азии получили развитие те же виды искусства, что и в Египте. Главенствующую роль здесь также играла монументальная архитектура, тесно связанная с другими областями изобразительного и декоративного искусства. В государствах Двуречья видное место, как и в Египте, занимали скульптура, рельеф, мелкая пластика, ювелирное дело. Как и в Египте создавались росписи, украшавшие стены дворцов. Но многие черты отличают искусство Передней Азии от Египетского.

Искусство Двуречья

Значительное место в ансамбле каждого города занимали дворцы и храмы. Они возводились из сырцового кирпича и оформлялись с большим разнообразием. Из-за влажного климата настенные росписи плохо сохранялись, поэтому для декоративной отделки стали применять мозаику, инкрустацию из самоцветов, перламутра и раковины. В употребление вошла отделка колонн листовой медью. Зиккураты – ступенчатые башни – возникли в Шумере в 3-м тыс. до н. э. Они состояли из нескольких убывающих кверху огромных трапециевидных платформ, выложенных сплошной кладкой сырцового кирпича. Верхняя площадка увенчивалась небольшим святилищем – «жилищем бога». Зиккураты строились обычно при храме почитаемого божества, впоследствии превратились в центры науки. Скульптура в виде статуй и рельефов составляла неотъемлемую часть храмов. Скульптурными формами украшались сосуды, музыкальные инструменты. Первые скульптурные портреты правителей были выполнены в металле и камне. Скульптуры и рельефы Древней Месопотамии несомненно грубее и примитивнее скульптурных образов Древнего Египта. Постепенно сложился ряд закономерностей изображения людей, животных и божеств. Определились правила передачи в рельефе человека, голова и ноги изображались в профиль, а туловище в фас, животных и птиц, у которых при профильном изображении глаза также показывались в фас. В искусстве Двуречья рано зародился повествовательный рельеф. Сцены процессий построены на ритмичном чередовании идущих фигур.

С укреплением деспотии искусство стало служить прославлением власти правителя и божества. Большой высоты также достигло ювелирное искусство. Шумерийские мастера знали чеканку, филигрань и зернь, умели делать сплавы драгоценных металлов. Золотые чаши, кубки, кинжалы инкрустировались перламутром, лазуритом и сердоликом, тонко орнаментировались. Ювелирные изделия были сделаны с отточенной изысканностью, которой не было в других видах искусства.

В первой половине 2-го тыс. до н.э. вся южная половина двуречья объединилась под властью Вавилона. Высокого расцвета достигли литература науки и искусство. Искусство Вавилона складывалось под сильным влиянием искусства Шумера и Аккада. Но в вавилонской скульптуре больше спокойствия. Она несет отпечаток торжественного ритуала, установившегося при дворе.

В искусстве Финикии благодаря торговым потребностям разрабатывались не сколько монументальные художественные формы, сколько декоративно-прикладные. Финикия славилась своей резной костью, ювелирными работами по серебру и золоту.

Искусство Хеттов – горного народа, населявшего Малую Азию – в своих основных чертах восходило к Шумерскому. Но здесь сложилось самобытное чувство художественной формы. Архитектурные и скульптурные памятники хеттов тяжеловесны и массивны. Власть камня выражена в фигурах львов и сфинксов, обрамляющих крепостные стены. Для строительства храмов и дворцов хетты использовали крупные блоки камня. Цоколи выкладывались вертикально стоящими плитами – ортостатами.[20]

Искусство Ассирии

Ассирийцы были великими наследниками культуры Древнего Вавилона, это влияние прослеживается на произведениях скульптуры и зодчества. Ассирийские цари объявляли себя наследниками древних народов и стремились к подтверждению божественной воли. Ассирийские правители стремились превзойти все то, что было создано до них. Ассирийские дворцы были роскошны. В их строительстве и украшении принимали тысячи искусных мастеров, ремесленников. Искусство Ассирии складывалось как придворное. Военный характер государства определял направленность зодчества. Ассирийские города были крепостями, обнесенными мощными стенами и обведенными рвом. Въездные башенные ворота представляли сложную систему укреплений, которые служили не только оборонительным целям, но и являлись показателями могущества города. Входы в виде башен украшались огромными парными скульптурами фантастических зверей – шеду – с туловищем быка, крыльями орла и головой мужчины в высоком головном уборе. Они воплощали могущество сил природы, оберегающего царский дом от всякого зла. Дворцовые комплексы включали в себя и храмы и зиккураты, а также дозорные башни. Впервые в искусстве Передней Азии рельефы и росписи, соединенные с архитектурным пространством, превратились в сюжетно связанные между собой целостные панорамы. Плоскостный, декоративный стиль росписей 9 в. до н. э. присущ и рельефам и росписям. Круглая скульптура играла в Ассирии меньшую роль, чем рельеф. Главным в скульптуре было выразить спокойную мудрость, достоинство, могущество и красоту владыки. Черты лица были правильны, неподвижны, величественны, подчеркнута сила мышц и монументальность тела. Статуи правителей уподобляли богам. Они устанавливались в храмах и предназначались для поклонения наряду со статуями божеств.

Древняя Вавилония в 7 веке до н. э. вступила в период нового подъема после сокрушения Ассирийской державы. Она превратилась в крупный культурный центр. Планировка Вавилона была близка к планировке ассирийских городов, но стиль зодчества отличался от ассирийского. Возросла роль жречества, в связи с этим исчезли темы прославления царей, уменьшилось скульптурных форм в ансамбле, храмовое строительство получило больший приоритет над дворцовым. Искусство Нового Вавилона создало мало оригинального, оно повторяло лишь с большей и порой чрезмерной пышностью образцы, созданные Древней Вавилонией и Ассирией. [21]

Искусство Ирана

В середине 6-го века до н. э. древнеперсидские цари из рода Ахменидов разгромили Вавилон и завоевали огромные территории, образовав государство Ахменидов, которое к концу 5 века до н. э. превратилось в могущественное государство. Искусство ахмединского Ирана, прежде всего придворное, дворцовое. Как и ассирийские дворцы, дворцы Ирана были украшены огромными рельефами и у входа стояли крылатые быки еще более внушительных размеров. Персидские зодчие ввели новшество – это ападана: многоколонный тронный зал, где капители колонн были в виде бычьих полуфигур. Покои дворцов украшали золотые обшивки и многоцветные изразцы. Наряду с рельефами дворцов, в ахменидском Иране создавались и скальные рельефы, и наземные мавзолеи, отличавшееся монументальностью, простотой и строгостью архитектурных форм. Декоративно-прикладное искусство Ирана было тоже на высоком уровне, о чем свидетельствую найденные археологами многочисленные серебряные и золотые блюда, чаши, кувшины, ожерелья, серьги из золота и драгоценных камней.[22]

Искусство Ахменидского Ирана было торжественное, более покойное и светлое чем искусство Ассирии.

Искусство Индии

Уже в 3 – 2 тыс. до н. э. на северо-западе Индостана в Мохенджо-Даро и в Хараппе сложились ранние классовые отношения, возникли государства и многолюдные города, которые вели широкую торговлю с другими странами, в первую очередь с Египтом, Шумером и Аккадом. Города имели правильную планировку, многоэтажные дома строились из обожженного кирпича и имели систему водоснабжения и канализации. Найденные археологами предметы художественного ремесла – изделия из бронзы, ювелирные изделия, керамика, мелкая пластика указывают на сходство с культурой Месопотамии. В середине 2-го тыс. до н. э. культура древнейших городов была прервана. Причина ее заката до сих пор остается загадкой. Об искусстве середины 2-го тыс. до н. э. известно мало. Единственный литературный памятник этого периода – Веды (Знание) в поэтической форме повествуют о жизни, быте и веровании племен, населявших в ту пору страну. В Ведах упоминается также о музыке и архитектуре того времени. Судя по описаниям люди жили замкнутой, патриархальной жизнью в небольших селениях, состоявших из круглых в плане деревянных построек с полусферическими и коническими крышами. Деревню окружала ограда, вокруг которой шла круговая тропа. Две широкие, пересекающиеся под прямым углом улицы, делили ее на четыре части и завершались четырьмя воротами. Эти типы построек легли в основу каменных храмов и других построек следующих веков. К середине 1-го тыс. до н. э. в Индии образовались несколько десятков рабовладельческих государств. В городах выросли дворцы и храмы, усложнились строительные приемы, украшение деревянных сооружений. Общество разделилось на сословия. Высшей кастой считалась варна жрецов брахманов, а наиболее бесправной варна слуг – брахманов. Во второй половине 1-го тыс. до н.э. были созданы крупнейшие произведения Индии – Махабхарата и Рамаяна, куда вошли мифы, сказания о жизни народов Индии, легенды о ее богах и героях. Искусство Индии достигло расцвета с образованием мощного рабовладельческого государства Маурья в 4 – 2 вв. до н. э. Оно впитало в себя влияния культур стран Средиземноморья и Персии. В городах возводились крупные крепости и дворцовые комплексы. Сохранились многие произведения архитектуры и скульптуры этого периода, поскольку храмовые и мемориальные сооружения той поры строились уже целиком из камня. Распространение буддизма при царе Ашоке вызвало массовое строительство храмов-чайтья, монастырей, включавших чайтья и монашеское общежитие – вихара, а также мемориальных сооружений – ступ и столбов-стамбха. Ступа представляла собой грандиозный, лишенный внутренних помещений, полусферический холм, выложенный из кирпича и камня. Поставленный на высоком барабане, он завершался реликварием (дарохранительница), так называемой «священной горой», или оградой с шестом посредине, унизанным дисками – символами небесных ступеней. Перекладины ворот, промежутки между ними и сами столбы заполнялись скульптурой. Рельефы посвящались как буддийским темам, так и более древним темам индийской мифологии. Великолепное мастерство обработки камня показывают стамбхи – монолитные столбы, на которых высекались эдикты Ашоки и буддийские моральные изречения. Вершина этих столбов украшалась лотосовидной капителью, несущей символические фигуры почитаемых буддизмом животных – льва, быка, слона или лошади.

В 1 – 3 вв. н. э. на севере Индии образовалось новое мощное государство Кушанов. Религия этого периода представила Будду не только как спасителя человечества, но и как божество, вмещающее в себя все человеческие страдания. В связи с этим искусство Индии обратилось впервые к чувствам людей. Для передачи божественного облика Будды и его учеников были разработаны сложные изобразительные приемы и правила, ряд особых признаков святости. Например, для Будды их было около тридцати.

Последний этап расцвета древнеиндийской культуры приходится на 320 – 450 года н. э. Индия объединилась в большую централизованную империю под властью династии Гуптов. Развернулось строительство дворцов, монастырей и храмов. Буддийские храмы этого периода превратились в своеобразные музеи, где живопись, скульптура, резьба и другие декоративные ремесла находятся в тесном сплетении. Впервые подлинного расцвета достигла живопись, украшающая храмы и дома знати. Расцветает и сценическое искусство, связанное с музыкой и танцами. Индийское искусство 4 – 5 вв., претворив в себе внешние воздействия, вступило на новый путь самостоятельного развития.[23]

Искусство Древнего Китая

Древнейшая культура зародилась на территории Китая в эпоху неолита в 5 – 3 тыс. до н. э. Сохранились остатки неолитических поселений с глинобитными ямного типа жилищами на жердевом каркасе. Наиболее ранняя расписная керамика (5 – 3 тыс. до н. э.) получила общее название Яншао, по месту раскопок, произведенных в деревне провинции Хэнань. Более поздние сосуды (3-е – начало 2-го тыс. до н. э.), черные, гладкие и блестящие, лишенные росписи и выполненные более совершенным способом обжига в закрытых печах с форме треножников, бокалов, кубков, кружек котелков, были названы Луншань. Сосуды Лушань по форме трехногие называются «ли» и округлые – «ху». Яншаосцы расписывали сосуды до обжига, таким образом узоры закреплялись навсегда. При сравнении ранних и поздних гончарных изделий видно, как геометрические мотивы постепенно становятся в них преобладающими, подчиняющими себе зооморфные и растительные мотивы. Во 2 тыс. до н. э. возникло первое рабовладельческое государство Шан (или Иль). Возникли первые города, были изобретены письменность, техника бронзового литья, сложнее и конкретнее стали мифологические представления о мире. Культ предков начиная с периода Шан и на многие века стал важнейшим в Китае. Жители царства Шан в совершенстве владели техникой бронзового литья. Древнекитайская бронза необычна по своим размерам, узорам и очертаниям, ее невозможно спутать с изделиями других стран. Геометрический орнамент отличался большой графической тонкостью, сложностью. Сосуды обычно покрывались целиком легкой линейной гравировкой, иногда почти незаметной. В период царства Шан появились города, обнесенными стенами, с характерной для Китая прямоугольной планировкой, с храмами и дворцами правителей. В этот период зародилась каркасная система в Китайском зодчестве. К концу 2-го тыс. до н. э. на территории Китая сложился ряд самостоятелных государств, наиболее сильное из них было Чжоу. В этот период был создан первый сборник стихов – «Шицзин», появился тракт по архитектуре Чжоу-ли, где были изложены основные правила планировки городов. В 1-м тыс. до н. э. возникли важнейшие религиозно-филосовские учения – конфуцианство и даосизм, обобщившие представления о структуре мироздания и общества, оказали значительное влияние на всю последующую культуру Китая. К середине 1-го тыс. до н. э. менялся характер бронзовых сосудов, формы стали более мягкими и изящными, узоры более графичными и плоскими. Рельефные мотивы заменялись инкрустацией.[24] Складывается характерный для Китая вид живописи тушью на свитках. Образцом бронзы периода Чжаньго является кувшин «ху», гладкий и стройный, снабженный подвесными ручками, весь заполненный гравированным орнаментом. Появились зеркала инкрустированные серебром и золотом, украшенные лаковой росписью музыкальные инструменты и мебель, яркая расписная лаковая утварь. Предметы из резного дерева и камня. Сложная техника изготовления лаковых изделий в период Чжаньго была высока. На деревянную, кожаную или холщовую основу наносили несколько слоев лака, т. е. окрашенного сока лакового дерева. Получались легкие, блестящие изделия, не боящиеся воды. В живописи используется шелковая ткань.

Наивысшего подъема архитектура и искусство Древнего Китая достигли во время образования единого централизованного государства Цинь в 221 – 207 г. до н. э. Самое крупное сооружение этого периода Великая китайская стена, отгородившая северную часть страны от набегов кочевников. Стенами в периоды Цинь и Хань обносились также города. Дворцы строились из различных пород ценного дерева. Внутренние покои украшались стенными росписями, каменные полы инкрустировались драгоценными самоцветами. Сложились конструктивные и декоративные приемы, получившие развитие позже. Например, система кронштейнов – «доугунов», орнаментация черепичных наверший кровли и др. Важнейшей особенностью китайского градостроительства и любого архитектурного комплекса стали отчетливость и регулярность. Богатые усадьбы повторяли очертания дворца, обычно состояли из ряда одноэтажных построек, обращенными окнами внутрь двора и разделенными посредине стеной и дверью на две части – жилую и хозяйственную. Погребальные склепы были такими же четкими по своему расположению и плану. Покойник окружался предметами роскоши, как и при жизни. Погребения составляли целые комплексы подземных комнат, ориентированных по сторонам света. Внутрь вели каменные двери с изображением четырех сторожей сторон света: тигра, феникса, дракона и черепахи. Стены и своды украшали росписи и рельефы мифологического содержания. В изображении живых существ были выработаны четкие каноны. Смирение изображалось согнутой спиной, испуг – вздыбленными волосами. Древний период Китая завершился с падением Ханьского государства, сметенного восстанием рабов.[25]

Заключение

Искусство каждой страны Древнего Востока обладало своими отличительными особенностями, характерными только для определенного государства. На характер искусства влияли географическое положение, мифологические представления, характер культа и другие факторы. Искусство Египта, Месопотамии и Ассирии тяготело к грандиозным монументальным формам, Китайское зодчество не создавало таких грандиозных и устремленных в высь архитектурных сооружений. Китайские зодчие соединяли здания с окружающим миром, подчеркивая красоту рукотворных форм включением их в формы природные. Творческая жизнь в Китае соизмерялась с природой, через которую люди пытались осмыслить законы своего бытия. Такое архитектурное мышление сложилось в Китае не случайно. Оно связано со многими особенностями древнекитайского миропонимания. В стране, где над человеком всегда властвовала стихия засух и наводнений, природа превратилась в предмет особого почитания и поклонения. В Египте же искусство было составной частью культа, заупокойного ритуала. Оно столь тесно связано с религией, что не возможно его понять не имея представления о религиозно-обрядовых обычаях египтян. Пантеон египетских богов велик и восходит первобытным временам, когда покланялись тотему. Божества египтян зверолики, видимо, поэтому в Египте в совершенстве было развито мастерство анимализма. Высшем культом был культ солнечного божества. Египет называли страной солнца, а фараонов – сынами солнца. Особое место занимала история Осириса, которая была переосмыслена и соединялась как с культом фараона, так и с представлениями о загробной жизни. Отсюда сложился монументальный стиль египетского искусства, изобразительные каноны, которые почти не менялись на протяжении веков. В Двуречье заупокойный культ не был распространен, как в Египте, поэтому портретная пластика не достигла вершин египетского искусства. В рельефах Двуречья важное место отводилось рассказам о победоносных войнах и деяниях правителей. В стране рек и заболоченных равнин необходимо было поднимать храмы на высокую насыпную платформу, чтобы предохранить их от наводнений. Поэтому важной частью архитектурного ансамбля стали длинные лестницы и пандусы, по которым люди поднимались к святилищу. Мозаика стала играть важную роль, потому что из-за влажного климата стенные росписи плохо сохранялись. Суровое и мужественное искусство Ассирии сложилось под влиянием воинственной направленности державы, захватившей огромные территории и ведшие постоянные войны. Искусство Древнего Ирана светское. Оно было призвано прославлять земных правителей и мощь государства, поэтому получило ярко выраженный светский характер. Искусство Индии сложилось в других природных условиях, что наложило на ее формирование особый отпечаток, а индийская мифология дала огромный материал для изобразительного искусства.

Список использованной литературы

1.Каган М. Морфология искусства. – Л.,1972.

2.Медведев П. В творческой лаборатории писателя. – Л.,1933.

3. Ермаш Г.Л. Искусство как творчество. – М.,1972.

4. Популярная художественная энциклопедия. – М.,1986.

5. Вопросы социологии искусства. – М.,1979.

6. Рейнак С. История искусств. – М.,1938.

7. Любимов Л. Искусство древнего мира. – М.,1971.

8. Виппер Б.Р. Становление реализма в голландской живописи XVII века. – М.,1957.

9.Лекция Ершовой А.П.

10. Дмитриева Н.А. Виноградова Н.А. Искусство Древнего Мира. – М.,1986

11. Павлов В.В. Очерки по искусству Древнего Египта. – М.,1936.

12. Театральная Энциклопедия. – М.,1967.

[1] Каган М. Морфология искусства. – Л.,1972.

[2] Каган М. Морфология искусства. – Л.,1972.

[3] Медведев П. В творческой лаборатории писателя. – Л.,1933.

[4] Ермаш Г.Л. Искусство как творчество. – М.,1972.

[5] Популярная художественная энциклопедия. – М.,1986.

[6] Вопросы социологии искусства. – М.,1979.

[7] Плеханов Г. Происхождение искусства./Аплатов М.В. Искусство. – М.,1969.

[8] Рейнак С. История искусств. – М.,1938.

[9] Любимов Л. Искусство древнего мира. – М.,1971.

[10] Рейнак С. История искусств. – М.,1938.

[11] Рейнак С. История искусств. – М.,1938.

[12] Цирес А. Художественный образ романского и готического соборов/ Искусство – М.,1969.

[13] Рейнак С. История Искусств. – М.,Л.,1938.

[14] Рейнак С. История Искусств. – М.,Л.,1938.

[15] Виппер Б.Р. Становление реализма в голландской живописи XVII века. – М.,1957.

[16] Лекция Ершовой А.П.

[17]Популярная Художественная Энциклопедия. – М.,1986.

[18] Театральная Энциклопедия. – М., 1967.

[19] Павлов В.В. Очерки по искусству Древнего Египта. – М.,1936.

[20] Дмитриева Н.А. Виноградова Н.А. Искусство Древнего Мира. – М.,1986.

[21] Любимов Л. Искусство Древнего Мира. – М.,1971.

[22] Дмитриева Н.А. Виноградова Н.А. Искусство Древнего Мира. – М.,1986.

[23] Дмитриева Н.А. Виноградова Н.А. Искусство Древнего Мира. – М.,1986.

[24] Популярная Художественная Энциклопедия. – М.,1986.

[25]Дмитриева Н.А. Виноградова Н.А. Искусство Древнего Мира. – М.,1986.

Внимание! Представленный Реферат находится в открытом доступе в сети Интернет, и уже неоднократно сдавался, возможно, даже в твоем учебном заведении.
Советуем не рисковать. Узнай, сколько стоит абсолютно уникальный Реферат по твоей теме:

Новости образования и науки

14:21 05 Июля 2016
Российско-китайский медуниверситет откроет магистерскую программу по TCM
01:21 05 Июля 2016
На форуме МГУ Россия и Китай обсудят научно-образовательное сотрудничество
11:00 04 Июля 2016
Реморенко: "ЕГЭ-туризм" в России сходит на нет
10:52 04 Июля 2016
Летняя российско-австрийская школа откроется в Москве
15:31 01 Июля 2016
В СПбГУ могут воссоздать географический факультет